martes, 23 de noviembre de 2010

POP-ART

El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books y objetos culturales «mundanos». El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.
Introducción

El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones. Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaísmo. Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray.

El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos. con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos» ) y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.

La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.
AUTORES RECONOCIDOS
*Andy Wharhol

imagen coloreada de Marilyn Monroe realizada por Andy Warhol.

Su arte consiste en la banalización de lo cotidiano mediante la repetición sistemática con procedimiento industrial de imágenes coloreadas a partir de fotografías como las de Marilyn Monroe o Liz Taylor. La publicidad aparece como protagonista de muchas de sus obras tal es así con Coca Cola, sopa de tomate Campbell, etc
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Andy Warhol
(c. 1928-1987), pintor y cineasta estadounidense, líder del movimiento Pop Art . Su verdadero nombre era Andrew Warhola y nació en Pittsburgh, Pennsylvania. Estudió en el Carnegie Institute of Technology. Empezó su carrera como artista comercial en Nueva York. En la década de 1960 atrajo la atención con exposiciones de imágenes sorprendentemente banales, tales como Lata de sopa Campbell (1965, Leo Castelli Gallery, Nueva York) y Botellas de Coca-Cola verdes (1962, Whitney Museum of American Art, Nueva York), o de estrellas famosas como Marilyn Monroe (1962, colección de Mr. y Mrs Burton Tremaine). La importancia de estas imágenes reside en el hecho de que fueran objetos o celebridades cotidianas y que, al ser impresos, podían ser repetidos mecánicamente hasta el infinito.

Warhol siguió una dirección similar en su trabajo cinematográfico experimental, como The Chelsea Girls (1966), un semidocumental de siete horas. Más tarde, filmes más complejos como Lonesome Cowboys (1969) y Trash (1970), están también marcados por la improvisación en el diálogo, la ausencia de trama y el extremado erotismo.

Entre las publicaciones de Warhol se encuentran Mi filosofía de A a B y de B a A (1975) y America (1985), una colección de mordaces fotografías sobre la vida en Estados Unidos. De 1969 hasta su muerte publicó Interview, una revista mensual con artículos ilustrados sobre las celebridades del momento. En 1994 abrió sus puertas en Pennsylvania el museo Andy Warhol, el museo más grande de Estados Unidos dedicado a un solo artista.
*Roy Lichtenstein
Son interpretaciones muy libres, mezcladas con cuadros antiguos y reproducidas a mano con la técnica de puntos de color puro y brillante. Son obras muy grandes, de fácil visualización pero compleja interpretación y que incluso presentan textos en los populares "bocadillos".
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Roy Lichtenstein (1923-1997), pintor estadounidense del Pop Art , artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic. Nació en Nueva York y obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad estatal de Ohio en 1949. Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederick Remington. A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva. Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso . También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado obras en cerámica. En 1993 el Museo Guggenheim de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por muchos otros países.
*Richard Hamilton
Richard Hamilton (1922- ), pintor británico, uno de los iniciadores del Pop Art inglés.

En 1938 comenzó sus estudios de pintura en las Escuelas de la Real Academia de Londres, que se prolongarían hasta 1951. Entre 1941 y 1945 trabajó como delineante técnico, y ya en 1950 realizó su primera exposición en solitario, en la que presentaba una serie de aguafuertes.

El año 1952 fue clave para su trayectoria: comenzó a impartir clases de tipografía y diseño industrial en la Escuela Central de Artes y Oficios, y fundó, junto a Eduardo Paolozzi , Lawrence Alloway y Peter y Alison Smithson , el Independent group , del que fue miembro hasta 1957. Hamilton fue uno de los primeros artistas que se interesaron por la publicidad y por los cómics americanos.

El año 1956 fue otra fecha clave en su carrera: se celebró la exposición “This is tomorrow”, en la Whitechapel Art Gallery de Londres, y fue el propio Hamilton el que organizó la contribución del Independent group para la muestra. Allí presentó su collage ¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos? , una auténtica declaración de principios para el Pop Art inglés. En esta obra se encuentran presentes muchos de los elementos de la cultura trivial americana: una chica de revista, un culturista, un televisor, un emblema de la Ford, un cartel de cómic, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario y un enorme chupa-chup con la inscripción ‘pop', sostenido por el culturista a modo de raqueta de tenis, todo ello bajo un techo que no es más que el planeta Tierra.

Este collage se convirtió en la imagen programática del Pop Art británico. En él Hamilton muestra su fascinación por ciertos iconos de la opulencia americana, no sin ciertos toques irónicos. Por otro lado, utilizó una técnica típicamente cubista , surrealista y también dadaísta , el collage, plena de sofisticaciones, alusiones a ciertos iconos y ambigüedades.

Para Hamilton fue decisiva la influencia de Marcel Duchamp , al que conoció a través de Nigel Henderson durante sus estudios en la Real Academia de Londres, más incluso que el propio surrealismo o dadaísmo. Duchamp fue el primero en exponer objetos cotidianos, fabricados en serie, en galerías y museos, y Hamilton le rindió su propio homenaje, primero, en 1960 con una versión tipográfica de la Caja verde, y más tarde, entre 1965 y 1966, con una réplica del Gran vidrio . Ese mismo año, en 1966, organizó la exposición retrospectiva “The Almost Complete Works of Marcel Duchamp” en la Tate Gallery de Londres.

Durante las décadas de 1960 y 1970 realizó una serie de ‘productos' según el concepto de ready-made de Duchamp, en los que jugaba sutilmente con la percepción de iconos popularmente reconocidos, a los que otorgaba la categoría de objetos artísticos, resumido todo ello en palabras del propio Duchamp: “¿Qué es exactamente lo que convierte un objeto en obra de arte?”.

A partir de 1968 se suceden las exposiciones y los premios. Ese mismo año y también en 1977, participó en la Documenta IV y VI de Kassel (volvió a participar en la Documenta X en 1997), y en 1970 obtuvo el Premio Internacional Talens. En 1979 se presentó una retrospectiva de su obra en la Tate Gallery de Londres y también en la Kunsthalle de Berna (Suiza). En 2003 se celebró otra retrospectiva de Hamilton en el MACBA de Barcelona, que abarcaba su producción desde 1932 hasta nuestros días, y donde se presentaron unas 180 obras.
*David Hockney
David Hockney nació en 1937 en Bradford (Inglaterra). Entre 1953 y 1957 estudió en el Bradford School of Art. Como objetor de conciencia paso su servicio militar trabajando en un hospital hasta 1959. De 1959 a 1962 estudió en el Royal College of Art de Londres. Allí conoció a R.B.Kitaj y a otros fundadores del Pop Art Inglés, y estudió las pinturas de los expresionistas abstractos americanos. A partir de 1960 comenzó a exhibir sus pinturas en las exposiciones para jóvenes Contemporáneos de la Galería RBA de Londres.En esa época lee las obras completas de Walt Whitman. En 1961 visita New York por primera vez. Da clases en el Maidstone College of Art en 1962. En 1963 viaja a Egipto y a Los Angeles, donde conoce a Henry Geldzarhler, a Andy Warhol y a Dennis Hopper. En esta época realiza su primer cuadro sobre duchas (showers). Entre 1963 y 1964 da clases en la Universidad de Lowa. En 1964 se traslada a vivir a Los Angeles , donde pinta su primer libro de piscinas (swimmming-pool) y realiza sus primeras Polaroids. En 1967 viaja a Italia y a Francia y en 1968 a Alemania e Irlanda. En 1970 se realiza una retrospectiva de su obra en Londres, que posteriormente se muestra en Hanover y Rotterdam. Entre 1973 y 1975 vive en París. Una exposición de sus obras se lleva a cabo en esta ciudad en 1974 en el Musée des Atrs Décoratifs. En 1975 diseñó los decorados para la ópera de Igor Stravinsky "The Rake´s Progress". En 1976 regresa a Los Angeles y trabaja intensamente con fotografías. En 1978 diseña los decorados para la öpera "La flauta mágica" de Mozart, obra representada en el Glynderbourner Festival, y en 1980 desarrolla un programa para la Metropolitan Opera con obras de Satie, Poulenc, Ravel, y stravinsky. En 1981 viaja a China, viaje del que escribe un diario (China Diary), publicado posteriormente por la editorial Americana Thames and Hudson. Ha realizado cubiertas para las revista Vogue en 1984 y 1985.Es considerado mundialmente como uno de los pintores más representativos del Pop Art. Sus obras se encuentran en los museos de arte contemporáneo más prestigiosos del mundo.
*George Segal
Escultor estadounidense, famoso por sus obras figurativas, realizadas a tamaño natural en yeso blanco. Nació en Nueva York, y en la década de 1950 trabajó primero como pintor, iniciándose como escultor después de 1960. Sus moldes en yeso, creados directamente a partir de vaciados de personas, están instalados en entornos cotidianos, como ascensores, oficinas de venta de billetes, cafés o autobuses, cubiertos con objetos y accesorios que proceden de depósitos de chatarra. Sus figuras blancas con un acabado tosco o incompleto, de formas vagas e imprecisas, crean un ambiente de desolación o misterio. Su afición a incluir objetos de uso cotidiano en sus escenas triviales, como accesorios de baño y una navaja de rasurado en Mujer afeitándose una pierna (1963, Colección Mayer, Winnetka, Illinois), han hecho que algunos críticos lo clasifiquen como un artista pop, pero su trabajo, por la comunicación de los sentimientos melancólicos que transmite, va más allá de la impersonalidad del Pop Art.

*Claes Oldenburg
Escultor estadounidense, pionero del Pop Art. Nació en Estocolmo, donde su padre estaba destinado como diplomático. Entre 1960 y 1965 Oldenburg llevó a cabo cierto número de happenings, entre los que destaca Autobodys (1964, Los Ángeles), que incluía automóviles, multitudes de gente y grandes cantidades de cubos de hielo dentro de un acontecimiento artístico donde el público quedaba implicado y se le hacía partícipe. Los accesorios toscamente pintados que utilizó en estos actos constituyen la base de su futura escultura. En 1961 abrió una tienda en Nueva York donde vendía reproducciones en escayola de hamburguesas, sandwiches, pasteles y otros tipos de comida rápida. Más tarde construyó nuevas versiones de estos objetos a escala gigantesca realizados con vinilo relleno de espuma de caucho. Continuó utilizando estos materiales blandos, sobre todo el vinilo y las lonas en sus series de objetos escultóricos posteriores como accesorios de cuarto de baño, ventiladores y máquinas de escribir. Estas obras, llamadas esculturas blandas, transforman el objeto de uso cotidiano gracias al cambio de escala y de material (vinilo, fibra de vidrio, yeso, plásticos…), pero a su vez, trastoca el concepto de escultura tradicional que consistía en encerrar la forma en un material rígido. Entre sus obras más famosas destaca la Máquina de escribir blanda (1963), su gigante Pinza para la ropa (1976) y el Ratón geométrico.

martes, 16 de noviembre de 2010

CUBISMO


CUBISMO
El Cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, y como jefes y maestros del movimiento figuraban los españoles Pablo Picasso y Juan Gris y los franceses Georges Braque y Fernand Léger. El movimiento efectivamente se inicia con el cuadro "Las Señoritas de Avignon" (Demoiselles D'Avignon) .- Como elementos precursores del cubismo debemos destacar la influencia de las esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907). Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».
AUTORES RECONOCIDOS
*PABLO PICASSO
Pintor y escultor español
Nació el 25 de octubre de 1881, en el número 36 de la Plaza de Riego de Málaga. Hijo primogénito del matrimonio formado por José Ruiz Blasco, profesor de la Escuela de Bellas Artes de esta capital, y María Picasso López. Su padre se encargará de iniciarle en el dibujo y la pintura. En septiembre de 1891, José Ruiz Blasco accede a una plaza de profesor en la Escuela de Bellas Artes de La Coruña llevándose a toda la familia con él. Picasso será admitido en esta Escuela un año después. Hasta el año 1898 utilizó los apellidos paterno y materno para firmar sus trabajos, pero desde 1901 firmó sólo con el apellido de la madre. Con 10 años realiza sus primeras pinturas y a los 15 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Consiguió el ingreso presentando el lienzo Ciencia y caridad (1897, Museo Picasso, Barcelona). En 1904 se establece en París. La obra de Edgar Degas y Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec, ejercieron una gran influencia sobre él. En sus pinturas de esa época reflejará la miseria humana, mendigos, alcohólicos y prostitutas. Conoce a su primera compañera, Fernande Olivier. Con esta relación Picasso cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos; los años 1904 y 1905 se conocen, así, como periodo rosa. Sus temas se centraron en el mundo del circo, creando obras como Familia de acróbatas (1905, National Gallery, Washington). Traba amistad con el poeta Max Jacob, el escritor Guillaume Apollinaire, los marchantes Ambroise Vollard y Daniel Henry Kahnweiler y los estadounidenses Gertrude Stein y su hermano Leo, quienes se convirtieron en sus primeros mecenas. Todos ellos fueron retratados por el pintor. En 1906, durante una estancia en Gosol, Andorra, su obra entrará en una nueva fase marcada por la influencia del arte griego, ibérico y africano. El célebre retrato de Gertrude Stein (1905-1906, Metropolitan Museum of Art, Nueva York) trata el rostro en forma de máscara. La obra clave de este periodo es Las señoritas de Avignon (1907, Museo de Arte Moderno, Nueva York), que no fue entendida, incluso, por los críticos y pintores vanguardistas de aquel momento. Inluenciados por el tratamiento volumétrico de las formas pictóricas de Paul Cézanne, Picasso y Georges Braque pintaron en 1908 una serie de paisajes dentro de un estilo que un crítico describió después como si hubieran sido hechos a base de "pequeños cubos", imponiéndose así el término cubismo. La monocromía prevaleció en estas representaciones de motivos totalmente fragmentados, mostrados de modo simultáneo desde varios lados.
*FERNAND LÉGER

Pintor francés
Nació el 4 de febrero de 1881 en Argentan. Durante dos años cursó estudios de arquitectura en Caen y después viaja a París, donde es rechazado en la Escuela de Bellas Artes y se inscribe como alumno en el taller de León Gerôme y posteriormente en el de Gabriel Ferrier. A partir del año 1910 expone regularmente en el Salón de los Independientes. La mayoría de sus primeros cuadros tienen un carácter cubista, entre ellos Desnudos en el bosque (1909-1910, Museo Kröller-Müller, Otterlo). Su siguiente etapa estuvo influida por sus experiencias en la I Guerra Mundial. Inició su llamado periodo "mecánico" en el que utilizó muchos símbolos procedentes del mundo industrial. La Ciudad (1919, Museo de Arte de Filadelfia). Su obra ejerció una influencia importante en el constructivismo soviético. A su vez, destacó como realizador de vidrieras, mosaicos, ceramista, diseñador de escenografías teatrales y de tapicerías. Falleció el 17 de agosto de 1955.
*GEORGES BRAQUE

Pintor francés
Nació el 13 de mayo de 1882 en Argenteuil-sur-Seine, cerca de París. Cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes y cerca de 1905 comienza a pintar al modo de los fauvistas. En 1908 su interés se centra en las obras de Paul Cézanne. Mantenía una gran relación con Picasso, con quien empezó a trabajar en estrecha colaboración a partir de 1909 realizando obras estructuradas en complejas formas geométricas y pintadas con colores neutros, que hoy son conocidas como cubismo analítico. En 1914 se alistó en el ejército francés y fue herido de gravedad durante la I Guerra Mundial. En 1917 reanudó su carrera artística en solitario desarrollando un estilo más personal, que se caracteriza por los colores brillantes y la textura de las superficies y, después de su traslado a Normandía, por la reaparición de la figura humana. Falleció el 31 de agosto de 1963 en París
*SONIA DELAUNAY

Sonia Terk nació en 1885 en Gorodisce, Ucrania. A los cinco años fue adoptada por su tío materno Henri Terk tomando su apellido. Pasó su infancia en San Petersburgo y tras haber estudiado dibujo en Karlsruhe con Schmidt-Reutter se traslada a París en 1905 inscribiéndose en la Académie de la Palette donde estudió junto a Ozenfant y Dunoyer de Segonzac. Tras un corto matrimonio con Wilhem Uhde se casa con Robert Delaunay en 1910 colaborando con él en el desarrollo del Orfismo y realizando un tipo de pintura pura y abstracta donde el color es a la vez forma y tema.

Durante la década de los veinte Sonia trabajó fundamentalmente en tejidos y tapices estampados a mano y como diseñadora produjo un fuerte impacto en el mundo internacional de la moda. Igual que Natalia Gontcharova, trabajó como diseñadora de decorados y vestuario para los ballets rusos de Diaghilev. Tras una temporada en Madrid, el matrimonio se establece en París donde se integran en los ambientes surrealistas.

En 1930 se volcó en la pintura ingresando como miembro en la asociación Abstraction-Creation. Es la época de los "Ritmos" que desarrollan hasta el infinito la fórmula del disco simultáneo. Tras la muerte de su marido en 1941 continuó trabajando activamente como pintora y diseñadora. En 1964 se expuso en el Musée du Louvre una donación de 49 obras de Robert y 58 de Sonia que había recibido el Musée National d’Art Moderne de París, así Sonia Delaunay se convirtió en la primera mujer que vio en vida sus cuadros expuestos en el Louvre.
Su trabajo se caracteriza por una reconstrucción de la forma sólo por el color. Murió en París en 1979.
*RAFAEL CANOGAR
Pintor y escultor español
Nació el 17 de mayo de 1935 en Toledo (España). Vivió en San Sebastián y en 1944 se traslada a Madrid con su familia. Fue discípulo del pintor español Daniel Vázquez Díaz. Muy influenciado en sus primeros trabajos por el cubismo de Picasso y Braque y el surrealismo de Joan Miró, lo que le llevó a desembocar en la abstracción informalista. En 1957 entró en El Paso, una asociación de artistas que tenía como miembros, entre otros a Manuel Millares, Antonio Saura, Luis Feito, Manuel Rivera, Pablo Serrano, Juana Francés y Antonio Suárez. Un grupo artístico que "fue motor de cambios significativos en el campo de la plástica, que colocó a España, en muy poco tiempo, en un primer plano de la estética del momento". En el año 1960 participó en la exposición de New Spanish Painting and Sculpture del Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York. A principios de 1960 deja la corriente informalista para acercarse a la realidad. Cambia su gama cromática y regresa a la abstracción. Utilizó materiales como poliéster, acrílico, madera y fibra de vidrio. Sus figuras están despojadas de señas de identidad, por lo que es el anonimato de la masa el auténtico protagonista de su obra. En 1972 recibió el Premio de la Bienal de São Paulo y en 1983 el Premio Nacional de Artes Plásticas.







martes, 9 de noviembre de 2010

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LO BUENO TAMBIEN SE DESCOMPONE






LA OBSTRUCCION DE OBRAS HIDRAULICAS EN EL SECTOR DE MEDELLIN EL POBLADO SUR ORIENTE DE MEDELLIN, CAUSO UNA GRAN INUNDACION DONDE SUS HABITANTES TUBIERON QUE AUXILIARSEN POR SI MISMOS.
VIENDO ESTA SITUACION TAN GRAVE EL MINISTRO DE AGRICULTURA ANUNCIO AYUDA ATRAVEZ DEL FONDO DE SOLIDARIDAD.
TAN BIEN SE PUEDE AFIRMAR QUE SON AL MENOS UN MILLON DE COLOMBIANOS QUE ESTAN AFECTADOS POR LA EMERGENCIA INVERNAL, SOBRESALIENDO TANBIEN QUE MUCHOS PRODUCTOS O CULTIVOS COMO LO SON EL MAIZ Y EL ARROZ SON LOS QUE MAS ESTAN SIENDO AFECTADOS.
EL FONDO DE SOLIDARIDAD EMPEZARA A AYUDAR CON $50.000 MILLONES PERO NO VAN A SER CON SUBCIDIOS DIRECTOS.
DESDE EL PUNTO DE VISTA CRITICO HAY Q MIRAR Q NO SOLO LOS CULTIVOS ESTAN SIENDO AFECTADOS SINO NOSOTROS TAMBIEN, PODEMOS AFIRMAR QUE ,OS MUERTOS EN EL PAIS YA LLEGAN A 110, ADEMAS HAY CIERTAS VIAS IMPORTANTES SIN ACCESO.
RESUMEN HECHO POR:MARIA ALEJANDRA RAMIREZ ALVAREZ http://www.prensamundo.com/ver.php?url=http://www.elmundo.com